Here’s the corrected version of the article with improved structure and clarity:

Speakeasy by Dhyano Angius Published in the New Art Examiner, Volume 32, February 2018
When posed with the question, "What do you think about the Arts Market?", I often respond, paraphrasing Gandhi, with: "I think that would be a good idea."
Upon closer examination, it becomes clear that what we commonly refer to as the Arts Market is merely the commodification of creative expression. To sell a work of art, it must be stripped of its inherent artistic value and imbued with a value that can be quantified monetarily. In essence, the Arts Market as we perceive it is just a peripheral aspect of the broader goods market. Consequently, it adheres to the same principles and results in similar outcomes: only 1% of the artists in this market attract 99% of the capital available to the arts. This includes art organizations or, more accurately, the gatekeepers who manage the funds allocated for the arts.
What can be done to address this disparity? In 2009, I drafted the New Futurist Manifesto, published by the St.Ives Times in Echo, exactly a century after Tommaso Marinetti’s original Futurist Manifesto. Although widely overlooked, the manifesto remains pertinent as we continue to anticipate the arrival of the 21st-century avant-gardes.
While original Futurism focused on the dynamism within the artwork, New Futurism emphasizes the dynamism of the artwork itself. The suggestion is to relinquish the narrow-minded existing Arts Market to those who enjoy its gameplay, and to pioneer new systems for the distribution and exchange of art. It has become imperative to accelerate the circulation of artwork, as the current system either slows down or completely halts its flow at the source.
Currently, a significant number of artworks are trapped in artists’ studios and warehouses, hidden from potential audiences. The explanation for this is straightforward: if gold were as plentiful as pebbles, it would lose its monetary value. Should we decide to devalue the 1% of art owned by affluent collectors, they would incur considerable financial losses.
However, it is crucial to acknowledge that what is often termed the Arts Market does not represent a true Arts Market, and this status quo is unsustainable. It is time to devise innovative methods for exchanging and experiencing art, enabling the 99% of artists who are excluded to connect with the 99% of audiences who are also excluded.
This will define the new avant-garde of the 21st century.

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​Solo l'1% degli artisti in quel mercato attrae il 99% del capitale disponibile per le arti e questo include le organizzazioni artistiche o meglio le "organizzazioni di impiegati" che filtrano i denari disponibili per le arti.

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Only 1% of the artists in this market attract 99% of the capital available to the Arts, which includes art organizations and the gatekeepers who filter funds allocated to the Arts.

"Tira le B!" Watercolor on Paper by Dhyano - original lost

Ecco una versione rivista dell'articolo, scritto in un linguaggio più accademico:

Speakeasy di Dhyano Angius
Pubblicato su New Art Examiner, febbraio 2018
Se mi venisse rivolta la domanda: "Qual è la sua opinione sul mercato dell'arte?", risponderei parafrasando Gandhi, le cui parole furono pronunciate in un contesto simile riguardo la civiltà occidentale: "Penso che sarebbe una buona idea."
Osservando la realtà esterna, non identifico l'esistenza di un vero e proprio mercato dell'arte. Ciò che comunemente designiamo come tale non è altro che la commodificazione della creatività artistica. L'unico metodo per commercializzare un'opera d'arte consiste nel denudarla di tutti i suoi valori intrinsecamente artistici e attribuirle un nuovo valore. Questo nuovo valore, a differenza del valore artistico, può essere quantificato monetariamente. Di fatto, il mercato dell'arte, così come lo conosciamo, è solamente una componente marginale del più vasto mercato dei beni di consumo.
Per questa ragione, esso segue le stesse regole e produce gli stessi effetti: solo l'1% degli artisti partecipanti a questo mercato riesce ad attrarre il 99% del capitale disponibile per le arti, una situazione aggravata dalle organizzazioni artistiche, o meglio, dalle "organizzazioni di impiegati", che gestiscono i fondi destinati alle arti. Che cosa possiamo fare, allora, per cambiare questa situazione?
Nel 2009, ho redatto il Nuovo Manifesto Futurista, pubblicato dal St. Ives Times in Echo esattamente un secolo dopo la proclamazione del Manifesto Futurista originale di Tommaso Marinetti. Il Nuovo Manifesto Futurista, benché largamente ignorato — come spesso accade alle idee rivoluzionarie prive di un movimento di supporto (udibile nel podcast 'Nomenclature Parallele') — rimane pertinente, poiché attendiamo ancora l'emergere delle nuove avanguardie del ventunesimo secolo.
Se il Futurismo originale si concentrava sulla dinamica interna all'opera d'arte, il Nuovo Futurismo si focalizza sulla dinamicità dell'opera stessa. L'idea proposta è quella di lasciare il cosiddetto 'mercato dell'arte' a sé stesso e a coloro che desiderano indulgere nel gioco del Monopoly con esso. Dobbiamo semplicemente abbandonarlo, come facciamo con i rifiuti spaziali.
Invece, dovremmo dirigere la nostra attenzione verso un nuovo mercato, eludendo le organizzazioni artistiche manipolatrici e le gallerie, sia nazionali che private, che non solo rallentano ma effettivamente bloccano la circolazione dell'arte alla sua fonte. Un numero significativo di opere d'arte rimane oggi confinato negli studi degli artisti e nei magazzini, privato dell'attenzione del pubblico potenziale.
La spiegazione è semplice: se l'oro fosse abbondante quanto i sassi, non avrebbe alcun valore monetario. Se decidessimo di deprezzare l'1% delle opere d'arte detenute dai ricchi collezionisti, questi ultimi subirebbero una perdita monetaria significativa. Tuttavia, è fondamentale riconoscere che ciò che essi definiscono Mercato dell'Arte non costituisce la presenza di un autentico mercato dell'arte, e questo status quo non è destinato a perdurare.
È giunto il momento di inventare nuove modalità per scambiare e fruire delle opere d'arte, permettendo così al 99% degli artisti esclusi di raggiungere il 99% del pubblico escluso. Questo sarà il volto della nuova avanguardia del ventunesimo secolo.